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Manuela Toselli, Presenze Sottili #7. Il pieno recupero del concetto di levità

La finalista del Nocivelli: "Il lavoro presentato al Premio Nocivelli, dal titolo “Presenze Sottili # 7 ” è una pittura fatta con sovrapposizioni di seta naturale di vari tipi. Appartiene ad un ciclo nel quale analizzo un’azione specifica, che accade molto spesso nella nostra quotidianità, senza che noi ne siamo pienamente consapevoli. In modo simbolico e concettuale, osservo il peso che assume una persona, un gesto o una situazione dal momento in cui inizia a manifestarsi, senza che riusciamo a percepirne la presenza, fino al punto in cui è troppo tardi. Per fare questo utilizzo la seta, il medium che caratterizza tutto il mio lavoro che, strato su strato, diventa sempre più consistente e prende forma. “Presenze Sottili” sono realmente tutte quelle cose, circostanze o persone che sfuggono al nostro controllo, perché realmente non diamo loro il giusto peso e importanza e che, data la leggerezza e impalpabilità dei singoli incontri, non misuriamo mai fino al momento in cui ci sentiamo oppressi dal loro carico. E’ un tacito assenso della nostra ragione di cui restiamo vittime"

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Come dipingeva il bergamasco Peterzano, il maestro del Caravaggio

E' stato un pittore di estremo eclettismo e di ottime capacità tecniche, in grado di mutare stile con grande rapidità per assecondare i gusti dei committenti, in un periodo di intensi cambiamenti come quelli della seconda metà del Cinquecento. Bergamasco – quindi cittadino della Serenissima - Peterzano aveva frequentato, negli anni della gioventù, l’ambiente veneziano, entrando in contatto con artisti della cerchia di Tiziano e, al tempo stesso con la pittura toscana, importata nella laguna da Salviati e da Porta Salviati

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Sai davvero tutto sulla Venere di Milo? Imparalo in 3 minuti. Il video

Alta 2,02 metri e realizzata in Grecia, attorno al 130 a.C. in candido marmo marmo pario, la Venere di Milo, priva delle braccia e del basamento originale, è conservata nel Museo del Louvre a Parigi. Sul basamento stesso era riportata un'iscrizione che riconduceva l'opera allo scultore Alessandro di Antiochia. Siamo nel periodo ellenistico, ma la scultura fonde ancora i moduli del periodo classico. La splendida scultura, spezzata in due parti, venne trovata, nel 1820 da un contadino, Yorgos Kentrotas, in un terreno dell'isola di Milo. Sequestrata successivamente da ufficiali turchi, venne acquistata da un ufficiale delle marina francese, Olivier Voutier. Dopo il restauro, l'opera venne presentata, nel 1821, al re Luigi XVIII e destinata al Louvre. Il corpo compone una misurata tensione che richiama un tipico chiasmo di derivazione policletea. Sotto il profilo iconografico, si ritiene che l'opera possa riferirsi a Venus Victrix che ha ricevuto il pomo dorato da Paride: tale interpretazione ben si accorderebbe con il nome dell'isola dove è stata ritrovata (milos, in lingua greca, significa infatti "mela"). Alcuni frammenti di un avambraccio e di una mano recante una mela sono stati ritrovati vicino alla statua stessa. In generale comunque colpisce l'atteggiamento naturale della dea, ormai lontana dalla compostezza "eroica" delle Veneri classiche dei secoli precedenti.

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Cosa vuol significare una stella dipinta sull’abito della Madonna?

Nonostante in origine sia nata sulla base di una concezione di origine pagana riferita alla dea Venere, nel medioevo la chiesa cattolica la fa propria divenendo la principale promotrice di questo simbolo e favorendone, in questo modo, una sempre maggiore diffusione. Fra coloro che nel corso dei secoli lo hanno adottato ci sono anche affermati artisti. Molte infatti le opere in cui compare l’étoile, la stella. Tra queste, per esempio, si possono citare quelle di Filippino Lippi (1457-1504), figlio d’arte (il padre Filippo è stato anch’esso un pittore), che è solito dipingere sulla veste di Maria un piccolo segno dorato, la maris stella, appunto. Di modeste dimensioni, ma non per questo poco visibile, sembra risaltare quasi brillando di luce propria, attirando l’attenzione su di sé e sulla Vergine stessa.

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Natale on line. Le aste di decorazioni, colori, strenne e idee natalizie. Anche solo per vedere. Al caldo

Il Natale è soprattutto la gioia di una nascita che ci rinnova. E, con occhi sempre nuovi, gioiamo anche per i verdi, i rossi intensi, gli scintillii che creiamo in dicembre. E pure i doni e le decorazioni contribuiscono a creare un momento di serenità che dovremmo protrarre tutto l'anno. Soprattutto pensando a quel Bambino, che è gioia. Forse, non esiste religione che dia alla materia una connotazione gioiosa, quanto il Cristianesimo. Pur se bilanciata dai valori spirituali.

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Sul set fotografico di Samantha Hoopes. Dietro e davanti alla rete. Il video

Samantha Hoopes (nata nel 1991) è una modella americana. Ultima di cinque sorelle, ha seguito un percorso formativo orientato alla recitazione. Ha poi frequentato la Penn State University e si è laureata in economia. Un corpo perfetto e un volto accattivante e molto espressivo. Ciò che colpisce di Samantha è la naturalezza e la mancanza di eccessi sotto il profilo dei messaggi seduttivi, che controlla pienamente. Non sfuggirà al lettore attento che fa foto di copertina ripropone, ribaltata specularmente, la posizione della Ragazza con l'orecchino di perla. Come la modella di Vermeer, Samantha volta il capo per guardare ed essere guardata dallo spettatore. Una postura che spiega, al di là della bellezza delle pittura, il coinvolgimento emotivo e l'aria pura ma sensuale dell'opera di Vermeer

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Il tonalismo – Cos’è il tonalismo e perchè si differenzia dalla pittura tonale. Tiziano, El Greco, Rembrandt

E' una modalità di rappresentazione della realtà che coglie il comportamento d'azione di una luce colorata - in buona parte dei casi, ma non in assoluto, bronzeo dorata - che intride di sè ogni parte del quadro, modificando le carnagioni dei soggetti e mutando il colore originale degli oggetti. Il tonalismo rappresenta la massima, esasperata azione della pittura tonale, al punto da essere esclusivamente costituito da un colore di luce - tono - che , nei casi più estremi, porta il dipinto ad assumere caratteristiche del monocromo

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