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Richter cerca il Sublime e l’anti-nichilismo. Sì, è lui, con l’astratto, che tiene in vita la pittura di paesaggio. Il video

Gerhard Richter
B.1932
ABSTRAKTES BILD
firmato, datato 1987, numerato 636, e variamente inscritto sul retro del pannello di sinistra; numerato 636 e variamente inscritto sul retro del pannello destro
olio su tela
2 pannelli, ciascuno: 102 3/8 per 78 7/8 in. 260 per 200,3 cm.
Complessivamente: 102 3/8 per 157 3/4 in. 260 per 401 cm.
Sotheby’s

Strabiliante e coinvolgente all’infinito, l’Abstraktes Bild di Gerhard Richter del 1987 è uno straordinario archetipo della serie più famosa dell’artista di Abstrakte Bilder; composto da due pannelli distinti affiancati l’uno all’altro, il dipinto nel suo complesso incombe drammaticamente, misura oltre 2 metri e 60 di altezza di altezza e si estende per 4 metri, avvolgendo totalmente lo spettatore nella vastità della sua scala. Dei 18 lavori su larga scala di questo periodo, 13 fanno di importanti collezioni istituzionali, private e aziendali in tutto il mondo, tra cui la Collezione Hess, il Museo di Arte Moderna di San Francisco, la Collezione Froehlich, il Museo d’Arte di Montreal e l’Arte di St. Louis Museo, tra gli altri. Diversamente rievocava la sublimità delle tele colorate di Mark Rothko, l’eroico gesto di Jackson Pollock e la fusione tra Willem de Kooning del figurativo e l’astratto, il metodo di esecuzione di Richter è del tutto unico: nella tecnica, nel gesto e nell’uso brillante del colore, questo trionfo monumentale incarna tutta la forza di uno dei più grandi artisti viventi.
Abstraktes Bild rappresenta un crescendo nella lunga carriera di Richter, quando l’artista ha raggiunto nuove vette nella sua indagine tecnica sulla sua pratica, quella che mette in dubbio la tradizione della pittura, la precisione mimetica e l’autenticità estetica. “Nelle interviste, nelle lettere e nelle riflessioni private, i leitmotiv del pensiero di Richter sono stati chiaramente affermati fin dall’inizio: fede contro scetticismo; speranza contro pessimismo; impegno contro neutralità; autodeterminazione contro fatalismo; libertà immaginativa contro ideologia. Nell’opera stessa questi binari dialettici e le ramificazioni che hanno generato assumono una realtà visiva e, al di là di quella materiale: l’iconografia impersonale contro la delicatezza della realtà; intimità velata contro modalità di presentazione; austerità cromatica contro tattilità ricca; splendore ottico contro isolamento fisico; esuberanza gestuale contro severa autocensura; resistenza al piacere facile contro l’edonismo squisito; somberness contro giocosità; affermazione diretta dell’immagine come oggetto contro la sfiducia dell’immagine come rappresentazione. “(Robert Storr,” Introduzione “, in Exh. Cat., New York, Il Museum of Modern Art (e itinerante), Gerhard Richter: Quarant’anni di pittura, 2002, p.17)

Il presente lavoro vibra con la verve di un fenomeno naturale, la cui “rappresentazione” inserisce Richter in una lunga eredità della pittura di paesaggio. Imbrattando la vernice con ricchi strati di colore, Richter usa il proprio vernacolo astratto per avvicinarsi a questo tradizionale genere storico artistico. Sebbene interamente astratto, l’opera attuale condivide notevoli qualità con alcuni dei dipinti più iconici del canone storico dell’arte occidentale. Queste due componenti si incastrano al centro di questa composizione più ampia, la cui fisicità pura evoca un’esperienza quasi spirituale suscitata da dittici religiosi e pale d’altare altrettanto monumentali. Ampie tirature verticali e diagonali forniscono una struttura architettonica che demarca la tela in ciò che può essere letto come due regni binari che solo Richter potrebbe creare: il terreno e il celeste, il fisico e lo spirituale, l’oscurità e la luce, la creazione e la distruzione, il bene e il male e l’equilibrio dei due. Un ricco spettro di pigmenti si illumina con la solennità del vetro colorato, mentre un’esplosione di luce bianca esplode dal profondo strato nero del sottosuolo in una risonante esaltazione. L’interscambiabilità tra luce e oscurità davanti e dietro tra queste lamine eteree, rispettivamente in strisce unite e spalmate e spesse accensioni, destabilizza radicalmente ogni senso di profondità; piuttosto, la frantumazione improvvisativa del colore vibra contro le nostre retine e riecheggia nelle nostre orecchie mentre il timore emotivo e spirituale di questa pittura diventa un’esperienza fisica. Il dramma di luminosità del Caravaggio lega l’opera inestricabilmente al retaggio barocco e rinascimentale della pittura illusionistica . Eppure, ciò che distingue Richter dai suoi contemporanei e progenitori è il suo abbandono del pennello, cedendo invece al bordo in gomma uniformemente stabile del tergipavimento su larga scala, una tecnica rivoluzionaria che l’artista aveva, a questo punto, imparato ad usare per produrre risultati ipnotici. Tratti di colore vengono trascinati attraverso la tela, in modo che i vari ceppi di pigmento malleabile sospeso nell’olio si fondono insieme in strati accumulati di diverse velocità d’assorbimento e spessori. Il presente lavoro esemplifica l’allontanamento di Richter dalla forma libera e forme astratte fluttuanti che delineano il corpus di nascenti astrazioni tra il 1980 e il 1985; dal 1986 in poi, Richter rinuncerebbe a qualsiasi elemento compositivo pianificato. È questo sorprendente trattamento della superficie come un tutto legato che consente di sviluppare un particolare senso di profondità illusoria. Mentre i ritratti fotografici di Richter svaniscono nell’astrazione, l’Abstrakte Bilder ci restituisce, per quanto tenue, a un suggerimento di rappresentazione. Formando una chiave concettuale della sua opera sin dalla fine degli anni ’60, l’iconico Abstrakte Bilder di Richter ha condotto un’indagine filosofica sostenuta in modo prolifico nel mezzo. della pittura e le basi della nostra comprensione visiva contemporanea. Nel corso della sua carriera, Richter ha messo in discussione l’affidabilità della pittura e la sua funzione, iniziando in un momento in cui il mezzo stesso era stato completamente oscurato a favore di nuove e più innovative tecniche artistiche. Lo stesso Richter ha osservato: “Sono rimasto fuori moda per molto tempo dopo i primi anni ’60, e anche la pittura era fuori moda.” (L’artista in un’intervista a Richard Cork, “Gerhard Richter: A Divided German”, Apollo, London , Gennaio 1992, pagina 49) Eppure ancora oggi, la ricerca cerebrale di Richter sullo scopo e sui meriti della pittura rimane pertinente, stimolante e perspicace. Spostandosi senza soluzione di continuità dalla rappresentazione all’astratto, il corpus di Richter ha continuato a sfidare la classificazione tradizionale, espandendosi invece, come nel presente lavoro, in un genere completamente nuovo di Postmodernismo. All’interno dell’arena drammatica di Abstraktes Bild, Richter mette a nudo la sua sfiducia per le grandi teorie della pittura gestuale che ha rivoluzionato il canone negli anni ’50, mentre contemporaneamente chiama queste nuove ideologie in discussione attraverso la lente della pittura astratta stessa. Il presente lavoro riecheggia in un torrente di vivido pigmento che non solo evoca tele onnicomprensive di maestri del dopoguerra come Mark Rothko e Clyfford Still, ma oscilla anche tra la possibilità di verosimiglianza e un’esperienza del tutto trascendente e sublime. la pittura è senza precedenti; Abstraktes Bild possiede un’identità unica in cui la decostruzione totale della percezione smantella i temi della rappresentazione, dell’illusione, della comunicazione e si risolve invece in un caos sublime.

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